Lejos han quedado aquellas discusiones del siglo XIX en las que se cuestionaba el lugar de la fotografía dentro de las Bellas Artes. Hoy la fotografía es reconocida sin limitaciones como herramienta artística y ello pone en manos de los creadores un universo infinito de posibilidades de expresión.
Desde extremos distantes como la fotografía documental (en la que se pretende una ausencia de "manipulación" de la imagen) y hasta la fotografía artística o construida (en la que se suele recurrir a diferentes medios tecnológicos para la creación de imágenes), la fotografía es símbolo de la democratización de la producción artística contemporánea.
Desde el 2015, Lizette Abraham es profesora del Diplomado en Fotografía Digital en el Instituto IMAGO.
La obra de Lizette Abraham es un ejemplo de las posibilidades de las herramientas fotográficas cuando se utilizan de manera creativa. Es también, tal vez sin quererlo, un referente de la fotografía que se distancia de esa ingenua confusión que reduce el concepto de "lo fotográfico" a lo puramente retiniano. Performance y fotografía se juntan en una obra llena de poesía visual y reflexión sobre problemáticas sociales diversas.
Nacida en Mérida, Yucatán (México) en 1982, tuvo su primer acercamiento con el arte junto a un grupo de amigos por medio de la performance. "Hacíamos shows en centros culturales. Todo tenía que ver con mucha parafernalia. No sabíamos que estábamos haciendo performance. Eran como puestas en escena", dice Lizette al recordar sus inicios.
Su formación en Ciencias de la Comunicación la introdujo en lo que sería un largo camino dentro de la fotografía. Comenta que "me gustó mucho la foto y también empecé a tomar clases en Bellas Artes. Para ese entonces ya había juntado muchos disfraces, máscaras, objetos y televisiones rotas. Tenía muchas cosas de lo que habíamos hecho antes. Empecé a aprovecharme de eso para tomar fotos y ahí empezó a evolucionar. Tomé más talleres. Luego me salí de Mérida y me fui a San Luis Potosí a estudiar dos años en el Centro de las Artes. Después me vine a la Ciudad de México. Crecí mucho desde entonces y sigo en el camino."
¿Cómo influye en tu trabajo el salir de Mérida y llegar a la Ciudad de México?
Me impactó y de hecho está impregnado en mi obra. Si ves mi trabajo de 2010 hacia atrás y luego ves de 2011 en adelante (que es cuando salgo de Mérida), hay un cambio tremendo, ya que es cuando empiezo a trabajar con la tela. Creo que todo eso tiene que ver con un sentimiento de crisis de identidad de "¿ahora qué hago?". Ya tenía todo asentado en Mérida, tenía un buen trabajo... Me salí. De repente no tengo ayuda y tengo que empezar de nuevo. Entonces ese shock sí impacta en mi obra. Empiezo a taparme con la tela y a encontrarme en este juego de personajes borrados... y encuentro ahí un refugio hasta tener varias series.
¿Qué significado tiene ahora la tela?
Ahorita la tela ya no es por cuestionar la identidad, sino por encontrar en ella diferentes posibilidades para comunicar sensaciones, emociones... Es como una metáfora de que la realidad está envuelta. La tela crea realidades. Creo mundos nuevos con la tela. Yo pensé que esto iba a pasar y que iba a seguir con otras cosas, pero veo que no he terminado. De hecho, mientras más trabajo con ella, encuentro más cosas.
¿De qué partes para realizar tu obra?
Desde siempre he tenido la inquietud de hablar de lo que está pasando, porque lo que pasa afuera me afecta a mi de cierta forma. Entonces creo que si voy a hacer arte, quiero hablar de lo que me incomoda, de lo que me molesta y de cosas de las que quiero ser parte. Por ejemplo: protestar sobre los feminicidios, las desapariciones y recordarle a la gente que esas cosas son importantes. El artista debe tener un compromiso con la sociedad.
¿Cómo empiezas a trabajar en un proyecto?
Depende de lo que quiera hacer. Yo me baso en dos líneas: una es experimentación, en donde más o menos tengo la idea, pero me gusta dejar paso al accidente. El accidente se me hace algo bien importante que hay que atenderlo. Si vas a hacer algo, siempre tienes que fijarte en las diferencias y en esos patrones que no puedes controlar es donde empieza otra exploración.
La otra línea es tratar de controlarlo todo, tener una idea específica, investigar la idea, hacer bocetos, empezar a hacer shootings de pruebas y si no funciona volverlo a hacer.
¿Has tenido dificultades para dar a conocer tu trabajo?
Al principio fue díficil porque aquí hay una tradición muy marcada de la fotografía de periodismo y documental. Entonces encontraba pocos foros para mostrar mi fotografía porque es muy "rara". Pero aprendí con el tiempo que eso extraño es lo valioso en mi arte y a pesar de todo sigo siendo fiel a mi estilo.
¿Qué piensas de la escena artística actual en México?
Ahorita hay un boom de artistas multidisciplinarios, pero tienes que saber por qué haces las cosas. Para mi es porque si no, no puedo conocerme. Hay muchos fotógrafos haciendo cosas buenas, pero no todos hacen proyectos diferentes. Muchos están haciendo la misma foto de paisaje y de retrato. Veo pocos proyectos que me emocionan. Tal vez no conozco tanta gente, pero lo veo en internet y pienso que sus proyectos están padres pero necesitan clavarse más. Hay gente que tiene el mismo proyecto de hace varios años. Entonces para mi, eso quiere decir que no es su oficio el arte.
Lizette Abraham es profesora del Diplomado en Fotografía Digital en el Instituto IMAGO. Para ella es importante ser constante para crecer como artista. Su dedicación la ha llevado a exponer su trabajo en diferentes galerías y museos como el Museo Latino en Omaha, Nebraska; Galería Knoth & Krüger y Noox, Berlin; Museo de la Ciudad en Mérida, Yucatán, entre otros. En 2016 obtuvo el primer lugar en el Festival Internacional de la Imagen. Actualmente es seleccionada como finalista en el Concurso de Fotografía Contemporánea de México.
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